Léonard de Vinci et Michel-Ange sont nés pour être rivaux. Rien ne les a opposés davantage que leurs tempéraments. Au point qu'ils figurent deux pôles artistiques extrêmes, deux façons radicalement différentes de vivre, à cette époque fabuleuse de la Renaissance qui marqua l'histoire de la civilisation occidentale comme une charnière. Avec brio et rigueur, Le génie et les ténèbres nous plonge au coeur de leur rivalité légendaire en ces temps obscurs, exaltants et tragiques. Quand ils se rencontrent, à Florence, au tout début du XVIe siècle, Michel-Ange a vingt-six ans et Léonard quarante-neuf. Michel-Ange est capricieux, perfectionniste, aussi pieux qu'il est négligé dans ses manières, mais déterminé à se frayer un chemin à coups de burin. Léonard de Vinci est un hédoniste aux contours plus nuancés, aussi élégant qu'un dandy, mais qui ne respecte aucune échéance, s'intéresse autant aux sciences qu'aux arts, et devient même, parmi les multiples métiers qu'il exerce pour gagner sa vie, musicien de cour.
Avec son talent de conteur d'exception, Roberto Mercadini redonne vie aux hommes plus encore qu'aux artistes et ressuscite à merveille leur monde disparu : les troubles et les splendeurs de cités légendaires, quantité d'oeuvres sublimes, une foule de personnages historiques hauts en couleur, peintres, sculpteurs, architectes, papes, condottieres, comtesses guerrières et moines rebelles.
À la Renaissance, comme dans les vies de Léonard et de Michel-Ange, rien ne sépare la lumière des ombres : le génie solaire des gestes parfaits de l'artiste cohabite toujours avec les ténèbres de ses obsessions. Au fil de leur somptueux et inquiétant récit, ces vies extraordinaires dressent en creux le portrait d'une époque qui ne l'est pas moins. Lire la suite Fermer

La beauté n'appartient sans doute à personne. Mais qu'en est-il des objets que les musées ont élevés au rang d'art et qui font leur orgueil ? Appartiennent-ils au lieu qui les a vus naître ? À la culture dont ils incarnent le génie ? Aux esthètes éclairés qui se les sont appropriés ? À l'humanité entière qui y accéderait par l'intermédiaire d'institutions dédiées à leur conservation ? Mais comment alors justifier que certains jouissent de ce patrimoine réputé universel quand d'autres en sont tenus éloignés ? Peut-être faut-il d'abord se demander comment ces objets sont concrètement parvenus jusqu'à nous et ce que leurs pérégrinations révèlent de notre histoire, de ses violences et asymétries, symboliques ou réelles. S'ils ont suscité là où ils sont arrivés des fécondations esthétiques inattendues, ils ont aussi creusé là où ils manquent des blessures encore vives.

Le buste de Néfertiti, l'Autel de Pergame, le retable de L'
Agneau mystique, la
Madone Sixtine, les têtes de bronze du Palais d'été de Pékin,
L'Enseigne de Gersaint, la statue de la " reine Bangwa " du Cameroun, le
Portrait d'Adele Bloch-Bauer, les " trésors royaux " du Bénin : à travers les déplacements – qui sont aussi des voyages fascinants – de ces œuvres emblématiques, Bénédicte Savoy déploie une réflexion sur le désir et la domination, sur la rupture et la réparation, sur les émotions qu'éveille la beauté et la transformation de l'héritage qu'il nous importe de transmettre. Lire la suite Fermer

Jean Hélion (1904-1987) se croit poète et abandonne une école d'ingénieurs pour venir vivre à Paris. Employé dans des cabinets d'architecture, il passe son temps libre à dessiner des bâtiments. Quand il découvre « qu'au pied de ceux-ci, il y a des gens, et au-dessus, des nuages », il décide de devenir peintre. Après des années de tâtonnements et de misère, la découverte de l'abstraction géométrique aux côtés de ses amis Mondrian et Van Doesburg va en faire l'un des hérauts fêtés de ce courant artistique révolutionnaire. Pourtant, peu avant la Seconde guerre mondiale, souhaitant regagner les rives du réel, Hélion choisit de rompre avec le succès en s'engageant dans la voie de la figuration assumée, non pas en opposition à l'abstraction mais en continuité de celle-ci. Voie périlleuse car longtemps incomprise. Alors que la reconnaissance remet enfin en lumière cet artiste majeur du XX siècle, cette première biographie de l'artiste, aussi érudite que vivante, retrace la vie et l'oeuvre d'un homme qui n'aura cessé de répéter : peindre, c'est vivre. Lire la suite Fermer

Depuis longtemps considéré comme un ouvrage de référence, ce traité rassemble d'une part, des renseignements très précis sur la peinture à l'huile telle que la comprenaient les anciens et d'autre part, l'exposé d'une méthode moderne, inspirée de la tradition, mais adaptée aux exigences de notre temps, c'est-à-dire simplifiée et assouplie. Les supports, les colles, les enduits, les huiles, les couleurs, les vernis, la restauration des tableaux, le matériel du peintre y font tour à tour l'objet d'une étude précise.
Toutes les préparations, toutes les recettes, toutes les manipulations que Xavier de Langlais préconise ont été essayées par lui et soumises à un contrôle rigoureux.
Cet ouvrage met à la disposition des étudiants des écoles d'art, aussi bien que des peintres professionnels ou amateurs, une somme d'observations précises et d'indications éprouvées qui leur assureront la base indispensable à la pratique d'un métier qui, comme l'écrivait Fromentin, « s'apprend et, par conséquent, peut et doit être consigné ». Lire la suite Fermer

Cet ouvrage est une réédition numérique d'un livre paru au XXe siècle, désormais indisponible dans son format d'origine.

Marcel Duchamp a souvent évoqué l'importance que fut, pour lui, la decouverte du theatre de Raymond Roussel en 1912 (Impressions d'Afrique), alors que ce dernier vecut et mourut dans l'ignorance de l'existence meme de Duchamp. Cette curiosite de Duchamp pour Roussel se prolongera jusqu'aux dernieres annees de sa vie. Duchamp aura lui-meme percu que bien des traits de la complexe personnalite de Roussel font echo a ses propres questionnements. L'analyse comparee entre les deux artistes que propose ce livre, illustre de multiples symetries intellectuelles et conceptuelles, ainsi que bien d'autres paralleles, notamment d'ordre esthetique et formel, qui vont stimuler Duchamp tout au long de sa vie, alors que rien, de prime abord, ne semblait devoir rapprocher les deux hommes.

Philippe Lapierre a mené une vie de globe-trotter pour différentes entreprises. Dans les interstices de son agenda, il n'a cessé de cultiver son goût pour le dessin, les arts et les lettres. Dans les années 1990, il se découvre une passion pour l'écrivain Raymond Roussel, auquel il consacre, depuis 2017, l'essentiel de son temps. Lire la suite Fermer

Derrière des boîtes de conserve, entassées sur des étagères, des toiles de Renoir, Cézanne, Courbet, Chagall, Picasso, Delacroix ou Munch... Un trésor artistique évalué à plusieurs millions d'euros.

Fin février 2012, après un banal contrôle de douane, le trésor découvert chez Cornelius Gurlitt, 79 ans, est saisi. Dans son appartement de Munich, le vieil homme cache depuis plus de cinquante ans des centaines de chefs-d'oeuvre acquis pour la plupart dans des conditions douteuses par son père, Hildebrand Gurlitt, marchand d'art.
C'est l'incroyable histoire de cette collection que ce livre raconte, illustrée par de nombreuses reproductions d'oeuvres d'art, des photos d'archives et des planches de bande dessinée conçues spécialement par Laureline Mattiussi.

L'Art contemporain comme outil d'influence
Le XXIe siècle a fait de l'Art contemporain un acteur incontournable des relations internationales. Il constitue un moyen d'influence au service du rayonnement des grandes puissances. Aude de Kerros analyse les liens entre création artistique et géopolitique, de 1945 à nos jours. Elle décrit notamment les événements marquants de la dernière décennie et leurs conséquences : la mondialisation des transactions, la transparence du marché de l'art - dévoilé par les nouvelles technologies de l'information -, l'entrée sur le marché du monde non occidental, toutes choses troublant l'ordre établi et défiant les prédictions d'une uniformisation pacifique et rentable de l'art par le monde occidental. Cet ouvrage très documenté souligne l'évolution des méthodes d'influence des différentes puissances tout en décrivant la construction du système international de l'art, parvenu au contrôle complet du marché, mais aussi son processus de dépérissement, dû à l'enfermement. C'est d'un nouveau monde de l'art qu'il est question, aux contours inédits. Lire la suite Fermer

Published on the occasion of the International Congress of Art History which will be held in Lyon in June 2024, the book is an intellectual history of the history of art in France since 1964, a founding date which marks a renewal of discipline.
In 1964 the French Committee for Art History (CFHA) was founded. But above all, this date marks a renewal of art history in France, both at university and in the field of heritage. Sixty years later, when the International Congress of Art History will be held in Lyon in June 2024, an international event which will welcome around two thousand researchers from around the world, the CFHA publishes
Histories of Art in France. 1964-2024. Places, Questions, Challenges. The work retraces the important stages which marked the history of art in France during this period and emphasizes the diversity of the discipline, as it has been practiced for several generations in different places.
A true intellectual history of the history of art in France, the book, a collective work which brings together the best specialists on the subject, addresses around fifty "events' which have marked the discourse on the history of art in France. and emphasizes some cross-cutting themes. It offers a historiographical reflection and a questioning of the contemporary issues of the discipline. Through its epistemological openness, it will also contribute to a deeper understanding of the methods and practices of art history.
Work published by the French Committee for the History of Art, under the direction of Olivier Bonfait, president of the CFHA. Lire la suite Fermer

L'histoire de l'art du Moyen Âge comprend l'étude des phénomènes artistiques depuis l'Antiquité tardive (IIIe-Ve siècle) jusqu'au XVe siècle, à l'aube de la Renaissance. Que pensent les hommes du Moyen Âge de la création artistique qui les entoure ? Quelles sont les règles qui régissent cette création ? Quelle place occupe l'artiste des époques dites romane et gothique dans la société de son temps ? Xavier Barral i Altet s'attache à resituer l'art médiéval dans son contexte historique et son cadre géographique, afin que la chronologie puisse prendre toute sa valeur face à l'environnement des oeuvres. Et de s'interroger sur les principaux défis que rencontre l'étude universitaire de ce sujet au début du XXIe siècle.

Pour savoir l'essentiel sur les événements, les idées, les personnages, les artistes qui ont fait notre histoire.

Sa célébrité ? Une décision.
Elle lui a permis d'agir toujours comme il l'entendait, dans un scandale à peu près permanent, guetté par les médias qu'il manipulait avec un savoir-faire confondant. Cool.

La Factory des années 1960 où se fabriquaient sa peinture, puis ses films, fut à la fois son Hollywood privé, son usine à rêves et un creuset où se mélangeaient les gens du monde et les voyous, les artistes et les prostitués de tous bords. La drogue y circulait librement et le sexe aussi. Là, tout pouvait arriver et arrivait. La révolution des moeurs était d'avant-garde, comme le reste.
Warhol a été peintre, sculpteur, photographe, cinéaste, romancier, dramaturge, directeur de magazine, producteur d'un groupe rock, homme de télévision, acteur et enfin mannequin. Il a figuré, avec éclat, au centre de tout ce qui s'est expérimenté de plus inventif et de plus radical au début des années 1960, au temps du pop art et du cinéma underground, mais aussi dans les années 1970 et 1980, quand on commença à se penser "postmoderne" et que "l'appropriation" allait de soi. Il fut génial à la grande époque des Boîtes de soupe Campbell's, des Marilyn et des Chaises électriques, on le sait, mais non moins génial quelques mois avant sa mort quand il peint ses Camouflages.
Ce que propose cette biographie, comme écrite en connivence avec Warhol, c'est une vision qui va au nerf de ce que fut cet immense artiste, emblématique du XXe siècle, de plus en plus revendiqué par les jeunes créateurs d'aujourd'hui comme un modèle. Comme une ouverture. Lire la suite Fermer

«  Ma dose quotidienne  » embarque le lecteur pour un tour du monde de l'histoire de l'art en 365 jours !  Au fil des pages, retrouvez les dates clés de l'histoire de la peinture, de la sculpture, de la musique, de la danse et du théâtre. personnages connus ou anonymes les plus marquants. 
De la naissance de Michel-Ange à la mort de Michael Jackson, Laure Casellas et Alexandre Ourgaud égrainent les temps forts qui font l'histoire des arts. 4 mars 1678 : naissance d'Antonio Vivaldi. 4 novembre 1783 : création de la  symphonie n°36 de Mozart. 7 octobre 1881 : première exposition de Paul Cézanne. 5 octobre 2018 : destruction de "La Petite Fille au ballon rouge". 
Evénements, mouvements artistiques, oeuvres emblématiques et  artistes, les auteurs de cette dose quotidienne rendent hommage au monde des arts. Cet  éphéméride truffé d'anecdotes et de citations est à lire au fil de jours ou de ses envies.  Lire la suite Fermer

Déplorant, après beaucoup d'autres, que les grands artistes des siècles passés n'aient pas bénéficié de témoignages contemporains fiables, le critique d'art Théophile Silvestre (1823-1876) voulut prévenir cette lacune en se lançant, en 1852, dans la rédaction de portraits d'artistes de son temps. Adoptant une démarche d'historien, lequel « doit s'attacher à tout voir, à tout entendre par lui-même, et se sentir, avant de prendre la plume, aussi loyal qu'indépendant », Silvestre est allé ainsi à la rencontre des peintres et des sculpteurs, les interrogeant lui-même, essayant de « pénétrer, du même coup d'oeil, l'âme de l'homme et l'oeuvre de l'artiste », inséparables à ses yeux.
Réunis et publiés en 1856 sous le titre d'Histoire des artistes vivants, français et étrangers. Études d'après nature, ses textes sont consacrés à dix grands noms de l'époque : Ingres, Corot, Delacroix, Courbet, Préault, Rude, Diaz, Barye, Decamps et Chenavard, auxquels fut ajouté l'année suivante celui d'Horace Vernet. L'ouvrage eut un succès immédiat et durable, puisqu'il fut réédité à plusieurs reprises au cours du XIXe siècle, et en 1926 par Élie Faure.
Ce qui a frappé les contemporains de Silvestre continue de faire notre admiration : la nouveauté de la démarche - faire entrer la sphère de l'intime dans le champ public -, la qualité remarquable de l'analyse des oeuvres, le ton parfois virulent mais libre, servi par une écriture particulièrement élégante. Loin des froides biographies, cet ouvrage restitue aux artistes toute leur épaisseur humaine, avec ce qu'elle peut recouvrir de petitesses et de grandeur. Lire la suite Fermer

Vassily Kandinsky (1866-1944) était un peintre russe qui fut l'un des premiers à réellement s'aventurer dans l'art abstrait. Il s'évertua à représenter son monde intérieur d'abstraction malgré les critiques négatives de ses pairs. Il s'éloigna de la peinture potentiellement figurative dans le but d'exprimer ses émotions, le conduisant à un usage inédit de la forme et de la couleur. Bien que ses oeuvres aient été fortement censurées à son époque, elles eurent énormément d'influences quelques années plus tard.

Brève histoire de l'Art financier
L'Art dit « contemporain », détrônant l'Art moderne à coups de surenchères provocatrices, émerge dans les années 60 ; d'abord marginal, il est devenu officiel, mondial et financier. Qu'il se veuille critique, didactique, ludique ou libertaire, il n'a cependant pas tardé à se révéler manipulateur. De stratégies en faux-semblants, où l'on pratique allégrement ce que l'on dénonce, le pouvoir de ses mirages est dévoilé, avec érudition et ironie, par Christine Sourgins.
À ceux qui sont perdus dans ce labyrinthe de « concepts » et de « discours », elle offre un fil d'Ariane, en montrant de manière implacable comment une telle entreprise, quels que soient ses prétextes esthétiques, politiques ou moraux, attaque en fait l'humanité même de l'homme.

Et s'il y avait, dans la richesse universelle des oeuvres d'art, matière à repenser le monde et l'écologie?? Et si une telle invitation tenait de la vocation originelle du musée ramenée à aujourd'hui?? Le musée monde traverse les styles, les époques, les disciplines. Il accouche d'une attitude, d'un regard mettant au jour des dimensions de l'art encore trop peu sollicitées. Il amène à réfléchir autrement à notre appartenance à la Terre. Il suscite de nouvelles perspectives et de nouveaux émerveillements à une heure de l'histoire où le besoin d'horizons n'a peut-être jamais été aussi fort. Le musée monde rassemble des artistes célèbres aussi bien que plus confidentiels. La voix de la poésie, indispensable, ne cesse de résonner dans ses salles. À la diversité des cultures et des aires géographiques répond celle des arts, de la préhistoire à nos jours. On y trouve de la peinture, de la sculpture, du cinéma, du bio-art, des jardins, de la musique... et même de la musique en provenance des étoiles. En contrepoint, toujours, les lumières de la philosophie et des sciences. Le musée monde n'impose rien au lecteur, tout au contraire?: il lui propose de s'approprier sa méthode et, à son tour, de s'interroger sur les rapports au monde que l'art met en forme et sur ce qu'ils peuvent nous apprendre. Lire la suite Fermer

Une sublime initiation à l'histoire de l'art européen et à l'essor de la conscience occidentale.
Dans ce livre, l'un des plus grands esprits du XXe siècle dresse le portrait inégalé d'un millénaire de beauté européenne. De l'architecture à l'ingénierie, de la peinture à la musique, de la poésie à la philosophie, de l'Écosse à la Sicile, de la France aux Pays-Bas, de l'Italie à l'Allemagne, Kenneth Clark écrit le livre de l'admiration et de l'enthousiasme. Il y démontre que la civilisation vit tant qu'elle ajoute à notre humanité et notre dignité. Juchés à sa suite sur les épaules de génies, nous sentons à chaque page se dilater notre intellection et notre sensibilité. Et la leçon esthétique est une éthique : cette Civilisation éblouissante, telle la chaconne de Bach jouée par Yehudi Menuhin dans la chapelle Sixtine, semble terrasser le mal et le désespoir. A-t-elle jamais cessé d'être nécessaire ?
Redécouvrez le succès international paru en 1969 qui met en avant la beauté de l'art européen.
À PROPOS DE L'AUTEUR
Kenneth Clark (1903-1983) est un historien de l'art et auteur britannique. De 1934 à 1945, il fut le plus jeune directeur de la prestigieuse National Gallery à Londres. Après la guerre, il se consacra davantage à l'écriture et se fit connaître d'un large public grâce aux émissions sur l'art qu'il produisit et présenta à la BBC, dont la célèbre série Civilisation. Lire la suite Fermer

Dans le cadre d'une histoire de l'art comparée, ce manuel examine successivement les relations entre l'histoire de l'art et son historicité, l'esthétique, les études anthropologiques, la sémiologie, l'approche formaliste des oeuvres, la philosophie du langage. Sont abordées également les relations qui peuvent se nouer avec la psychanalyse, celles qui mettent en jeu les rapports entre la politique et l'Art, ou encore la manière dont la sociologie de l'art contribue à redéfinir les contours d'une histoire sociale de l'art.Enfin, sont examinées les questions de la classification des arts, des procédures d'appréhension des oeuvres, de la définition de l'Art et des modalités de coopération des disciplines impliquées.Cette deuxième édition comporte un nouveau chapitre qui traite des questions qui lient oeuvres d'art, perception et empathie, ce dernier mécanisme éclairant de manière nouvelle les problématiques inhérentes à l'histoire de l'art.À partir d'une approche résolument « indisciplinée » de ce qu'il est convenu d'appeler Art, cet ouvrage permet aux étudiants de disposer d'un outil de clarification de l'objet de l'histoire de l'art et d'approfondissement de ses méthodes. Lire la suite Fermer

La parution de L'Art religieux du XIIIe siècle, en 1898, a constitué un tournant décisif à la fois dans l'histoire de l'art et dans les études médiévales. Émile Mâle (1862-1954) y proposait en effet une méthode alors très nouvelle, fondée sur la mise en relation du langage des formes avec leurs sources d'inspiration. Partant de l'idée que le christianisme du Moyen Âge a conçu l'art comme une « prédication muette », c'est-à-dire comme une traduction des vérités de la foi, il entreprend de mettre systématiquement en rapport l'iconographie et les grands textes (scripturaires, exégétiques, théologiques, hagiographiques, etc.) qui lui ont servi de programme. Émile Mâle construit lui-même son ouvrage sur un modèle médiéval, le Speculum Majus de Vincent de Beauvais (+ 1264), sorte d'encyclopédie du savoir de l'époque commandée par Saint Louis. Il en reprend la division en quatre « Miroirs » (Miroirs de la nature, de la science, de l'histoire, de la morale), confrontant leurs thématiques avec les sculptures de Chartres ou d'Amiens, les vitraux de Bourges ou du Mans, ou encore les livres enluminés. Écrit avec talent, fourmillant d'informations, l'ouvrage constitue une magnifique synthèse de l'art du XIIIe siècle en France. Lire la suite Fermer

La France a la chance de disposer d'un réseau de musées exceptionnel. Mais qu'entend-on par «?musée?»?? Quoi de commun entre le Louvre, marque internationale qui s'exporte à Abu Dhabi, le MuCEM inauguré en 2013 à Marseille, le musée de la Nacre et de la Tabletterie à Méru et les plus de 1 200 autres lieux ayant le label «?musée de France?»?? Marie-Christine Labourdette présente ce qui, au-delà de cet éclectisme, «?fait?» le musée d'aujourd'hui : ses collections au statut juridique protecteur, présentées suivant un discours scientifique, dans un bâtiment adapté à leur conservation et à leur valorisation et, enfin, mises à disposition d'un public grâce à des politiques de médiation. Elle nous montre comment, à l'aube du XXIe siècle, les musées connaissent un succès qui ne se dément pas et sont devenus de véritables ambassadeurs du dynamisme culturel d'un pays, de son rayonnement et de son attractivité.   Lire la suite Fermer

Il s'agit ici d'une brochure documentaire et non de l'ouvrage complet.
Le présent ouvrage vise à cerner au plus près le style qui s'affirme entre 1905 et 1923 et qui a ses propres caractéristiques formelles et thématiques. Rapidement, il sera associé à l'Allemagne qui y voit émerger ses 2 mouvements principaux et fondateurs  : la Brücke (le Pont) avec Erich Heckel et Ernst Ludwig Kirchner notamment, et le Blaue Reiter (le Cavalier bleu) avec, entre autres, Wassily Kandinsky et Franz Marc. Toutefois l'expressionnisme se propage également en Autriche mais aussi en Belgique et en France et laissera ses traces au-delà du début du xxe siècle, puisque l'on retrouve bien plus tard aux États-Unis l'appellation d'«  expressionnisme abstrait  » et celle, en Allemagne, de «  néo-expressionnisme  ».
L'ouvrage se propose de retracer l'histoire de ce mouvement en la replaçant dans un contexte artistique en mutation et en mettant en avant les parcours et les oeuvres de ses représentants.
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Les lecteurs de ce livre original, conçu comme une boîte-en-valise duchampienne, embarqueront pour un voyage à travers l'Europe, de Londres à Moscou et au-delà, pour comprendre les raisons qui ont fait des avant-gardes du début du xxe siècle - cubisme, futurisme, expressionnisme, dadaïsme, constructivisme et d'autres, moins connues - le moteur de l'histoire des arts. L'ouvrage s'adresse à tous ceux qui, novices ou déjà amateurs, s'intéressent au modernisme et à l'art moderne. Les analyses d'oeuvres de formats et médiums divers et de leur contexte culturel, scientifique, technologique, politique s'accompagnent de synthèses utiles, des « boîtes », qui font le point sur l'histoire des mouvements principaux. Le livre peut être lu de plusieurs manières ; quel que soit le parcours choisi, le lecteur comprendra la portée et la richesse extraordinaires des avant-gardes européennes, devenues aujourd'hui des classiques. Lire la suite Fermer

Ce QCM illustré rassemble 220 questions et réponses abordant les grandes périodes de l’histoire de l’art, de l’Antiquité à nos jours. Il est destiné à tous ceux qui souhaitent parfaire leur culture artistique. L’ouvrage est composé de cinq chapitres chronologiques présentant des questions à choix multiples suivies des corrigés détaillés offrant les repères et les connaissances indispensables. Il propose de découvrir et de comprendre les principaux mouvements, les artistes majeurs, leurs créations emblématiques et les anecdotes qui ont marqué l’histoire de l’art. Avec une approche à la fois ludique et rigoureuse, il a pour ambition de vous en apprendre davantage sur les richesses de l’art tout en vous divertissant et en vous donnant la possibilité d’échanger autour de sujets variés dans le temps et l’espace ! Maylis Poulot-Cazajous est docteur en histoire de l’art et enseignante à l’école de Condé-Bordeaux et à l’école nationale supérieure d'architecture et de paysage de Bordeaux. Elle est l'auteur du livre Manuel d'histoire des arts : de l'Antiquité au XXIe siècle (Ellipses, 2021). Lire la suite Fermer