"- Zazie, déclare Gabriel en prenant un air majestueux trouvé sans peine dans son répertoire, si ça te plaît de voir vraiment les Invalides et le tombeau véritable du vrai Napoléon, je t'y conduirai.
- Napoléon mon cul, réplique Zazie. Il m'intéresse pas du tout, cet enflé, avec son chapeau à la con.
- Qu'est-ce qui t'intéresse alors ?
Zazie ne répond pas.
- Oui, dit Charles avec une gentillesse inattendue, qu'est-ce qui t'intéresse ?
- Le métro."

François Truffaut livre ses secrets de cinéma.
En 1981, François Truffaut, l'ancien fougueux critique de cinéma, fait l'autocritique de ses propres films.
En s'appuyant sur des scènes et des anecdotes de tournage, Truffaut revisite, avec émotion et franchise, sa carrière, des Mistons (1959) à La Femme d'à côté (1981).
Des échanges précieux dans lesquels il se remémore la genèse des films, révèle leurs secrets de fabrication et n'hésite pas à juger avec sévérité certains de ses partis pris de mise en scène. Un long entretien inédit et richement illustré qui dessine en filigrane le portrait d'un immense artiste.
Plus qu'une leçon de cinéma, une réponse à la question fondamentale : qu'est-ce que le cinéma ?

L'OEuvre d'art à l'époque de sa reproductibilité technique annonce, dès son titre, le tournant opéré par la modernité : Benjamin montre dans cet essai lumineux que l'avènement de la photographie, puis du cinéma, n'est pas l'apparition d'une simple technique nouvelle, mais qu'il bouleverse de fond en comble le statut de l'oeuvre d'art, en lui ôtant ce que Benjamin nomme son "aura". L'auteur met au jour les conséquences immenses de cette révolution, bien au-delà de la sphère artistique, dans tout le champ social et politique. Un texte fondamental, dont les échos ne cessent de se prolonger dans les réflexions contemporaines.

Mêlant récit romanesque et enquête historique, l'auteur raconte l'histoire du tableau des Raboteurs de parquet.
Paris, un matin de 1875. Trois ouvriers, torses nus, sont en plein travail. Dans un appartement, outils en main, ils s'affairent à redonner vie au parquet du salon du propriétaire des lieux. Lui, c'est le peintre Gustave Caillebotte. Il a compris qu'il tient là le sujet de sa prochaine toile.
Le tableau des Raboteurs de parquet sera présenté lors du Salon officiel et refusé par le jury, choqué par la "vulgarité" du sujet. Ce tableau pourtant si réaliste et résolument tournée vers la modernité, illustre et rassemble les plus grandes qualités des peintres impressionnistes, dont Caillebotte sera également l'ami fidèle et généreux.
Les Raboteurs de parquet reste l'une des oeuvres les plus célèbres de Gustave Caillebotte, immense artiste du XIXe siècle. Et c'est dans ce tableau - simple en apparence mais riche et lumineux - que l'artiste livre certainement une grande partie de lui-même. Lire la suite Fermer

Mêlant récit romanesque et enquête historique, l'auteure raconte l'histoire du tableau de Berthe Morisot : Le berceau.
Apparu dès la première expositionimpressionniste de 1874, Le Berceau est une scène intimequi a été inspirée à Berthe Morisot par sa soeur Edma contemplant sa fille Blanche. Mais les yeux et le pinceau de l'artiste ont transfiguré ce moment "banal" de la vie de tous les jours en une maternité intemporelle : un nouveau-né endormi veillé par sa mère.
"Féerie, oui, quotidienne... " écrivait avec justesse Mallarmé à propos de l'art de Berthe Morisot.
Imaginons qu'un soir, après la fermeture du musée d'Orsay, Edma s'échappe du tableau pour nous aider à mieux comprendre la signification du Berceau en nous racontant la personnalité de Berthe. S'appuyant sur un échange de lettres entre soeurs (une émouvante histoire de fraternité), Edma a le pouvoir de faire renaître le passé et de ressusciter la merveilleuse époque de l'impressionnisme. Lire la suite Fermer

La ressemblance, particulièrement à l'époque de la Renaissance, n'est souvent qu'un mythe : à la fois une opération "légendaire", littéraire, et un "bricolage", un montage technique destiné à réunir dans le concret des ordres de pensée ou de réalité tout à fait hétérogènes. C'est ainsi que le fameux "portrait de Dante" par son "ami Giotto" - qui a fixé jusqu'à aujourd'hui notre image du poète - n'aura été qu'une invention rétrospective destinée à fonder, au XVIe siècle, l'idée d'une Renaissance tout entière ordonnée par la conquête des ressemblances optiques et picturales... et à refouler de notre culture historique l'importance des ressemblances par contact en usage dans maints objets florentins du Trecento et du Quattrocento.
Une réflexion sur un célèbre portrait en buste, moulé et modelé en terre cuite, poursuit ce parcours critique : à travers son destin dans le discours de l'histoire de l'art - chef-d'oeuvre de Donatello ou, au contraire, oeuvre indigne du qualificatif même d'"artistique" ? - on verra émerger quelques présupposés théoriques majeurs de la discipline elle-même qui, trop souvent, ignore qu'elle regarde aussi avec ses... mots.
Dans l'autoportrait "christique" de Dürer, enfin, nous aurons à découvrir que l'image peinte n'avait rien, pour lui, d'une simple conquête virtuose sur le monde visible. Envisagée au prisme de son inquiétude religieuse, elle s'imposait plutôt comme un drame de la ressemblance : ainsi dans la hantise de visages disparaissant sous le blanc des linceuls. Lire la suite Fermer

EDITION NUMERIQUE ENRICHIE
Le premier livre d'art numérique !
La peinture italienne racontée par Paul Veyne : « une superproduction italienne » (Libération), « L'épopée de la beauté » (Le Figaro littéraire), « L'invitation enthousiasmante d'un sage au gai savoir » (Et vous).
Une expérience inédite :
Plongez et naviguez à l'intérieur de plus de 255 chefs d'oeuvre de la peinture italienne
avec une rapidité et une définition exceptionnelle : la peinture italienne comme vous ne l'avez jamais vue!
Laissez-vous guider grâce au « zoom intuitif » pour découvrir les détails merveilleux des plus grandes fresques.
Écoutez Paul Veyne raconter de vive voix les secrets de ses tableaux préférés parmi les 255 chefs d'oeuvre qu'il a choisis : 40 témoignages audio passionnants, mis en musique par France Inter, partenaire de l'ouvrage.
En voyage, retrouvez facilement les tableaux à ne pas rater grâce : un moteur de recherche inédit vous propose facilement d'afficher les oeuvres par ville, musée ou artiste... Voyagez avec Paul Veyne comme guide dans votre poche !
Paul Veyne est professeur honoraire au Collège de France et l'un des plus grands historiens français de l'Antiquité romaine. Ses nombreuses publications sur la sociologie romaine ou les mythes grecs, rédigés d'une plume alerte et joyeuse, l'ont fait connaître du grand public (Quand notre monde est devenu chrétien, 2006 ; Foucault, sa pensée, sa personne, 2008 ; Mon musée imaginaire, 2010).
Retrouvez la préface vidéo et la bande annonce sur youtube en tapant musée imaginaire de Paul Veyne. Lire la suite Fermer

Mêlant récit romanesque et enquête historique, l'auteure raconte l'histoire du tableau Le tricheur à l'as de carreau.
Deux hommes et une femme disputent une partie de cartes pendant qu'une servante leur sert du vin. Trois complices qui pipent un benêt. Un roué et deux courtisanes qui plument un jeune bourgeois. Des loups sur le point de dévorer un agneau. As, sept et six de carreau: la main gagnante rafle les pièces d'or. C'est le jeu de la primeet de la vie: une vaste duperie. Tel est le sujet pittoresque du Tricheur à l'as de carreau.
Mais que signifient ces regards complices et cet énigmatique ballet de mains? Quel drame se noue entre les quatre personnages du tableau de GeorgesdeLaTour? Qui sont-ils? Ou plutôt, qui pourraient-ils être? Car on sait très peu de choses sur l'oeuvre et la vie de l'artiste qui, célébré de son vivant, fut oublié pendant plus de 250 ans avant d'être ressuscité par les historiens de l'art au début du xxe siècle.Pour faire parler la toile silencieuse et éclairer ses mystères, il faudra par conséquent chercher la vérité du côté du rêve. Lire la suite Fermer

En 2014, le peintre Gerhard Richter achève quatre tableaux abstraits qu'il nomme Birkenau. Ils sont le résultat de sa longue confrontation avec quatre photographies prises pendant l'été 1944 près du crématoire V d'Auschwitz-Birkenau par les membres du Sonderkommando affectés à la préparation des victimes et au traitement de leurs cadavres. Ce sont les seules images documentant de façon directe le processus d'extermination des Juifs d'Europe par gazage et destruction de leurs restes. Éric de Chassey analyse ici ces photographies, à partir de leur matérialité et de ce que l'on sait des conditions de leur prise de vue, et mène une enquête minutieuse pour comprendre quels traitements, problématiques, elles ont subis de la part d'un artiste contemporain attaché à maintenir vivante la mémoire de la Shoah. Il montre ainsi comment, à force de spectacularisation et de relativisme, nous sommes devenus insensibles aux enjeux moraux et politiques des images et de la manière dont on les montre et les regarde. Lire la suite Fermer

À Venise, au pied de la Douane de mer, en face du palais des Doges et de San Giorgio Maggiore avec son haut campanile, deux jeunes gens qui s'aiment vont écouter, le soir, un personnage surprenant qui porte beaucoup de noms. Ses récits les emportent, à travers l'espace et le temps, dans un tourbillon d'aventures où passent à toute allure, sous des éclairages imprévus, assez peu familiers aux enfants des écoles, Stendhal et Christophe Colomb, des Chinois et des Arabes, le procurateur de Judée et des guerriers vikings, le raid israélien sur Entebbe et l'invention du zéro, les amours de Pauline Borghèse et Les Mille et Une Nuits, toutes les passions du monde et aussi ses misères. L'homme à l'imperméable, qui raconte, avant de disparaître comme il est apparu, ces souvenirs ou ces fables qui se confondent avec la vie, se prétend condamné à l'immortalité pour avoir refusé, sur le chemin du Calvaire, un verre d'eau à Jésus titubant sous sa croix. Son histoire d'éternité fait revivre un mythe aussi universel que don Juan ou le docteur Faust : le Juif errant. Dans les récits de la Douane de mer, il ne ressemble à rien de connu : à mi-chemin de la Bible et de la bande dessinée, de Hegel et d'Arsène Lupin, il incarne l'histoire des hommes, nécessaire et inutile, depuis toujours maudite et pourtant irrésistible de gaieté et de bonheur. Lire la suite Fermer

Le petit livre indispensable pour tous ceux qui s'intéressent au monde matériel (makers, fablabs, design, etc.)
En 1971, Victor Papanek publie
Design pour un monde réel, devançant de peu la publication du rapport Meadows intitulé
Les limites à la croissance (dans un monde fini), qui établit la nécessité de se préoccuper de la prolifération d'objets manufacturés dans un monde en proie aux crises climatiques.
Quelle est, aujourd'hui, la responsabilité particulière du designer face au monde contemporain ? Quelle peut être sa tâche, dans un monde non plus réel, mais fini ? Cet ouvrage est un recueil pratique pour puiser des ressources théoriques. Il y est question d'un design d'inventeurs ingénieux, de designers bricoleurs, de hackers et de makers. Les textes qui suivent sont des invitations à décrypter, à lire ou relire quelques textes fondateurs ou inspirants, pour établir des filiations entre des termes parfois très à la mode et d'autres moins courants. Il n'est pas exhaustif et il est encore moins objectif. Dans une perspective pédagogique assumée, c'est un outil engagé et discutable (au meilleur sens du terme), qui s'adresse autant aux enseignants et aux étudiants qu'à celles et ceux qui cherchent à mieux comprendre comment le design peut penser son action dans un monde fini, en affirmant sa posture critique face à la société industrielle contemporaine et en cultivant le sens du bien commun.
Dans le changement profond et dans les troubles qu'engendre le contexte actuel, c'est la nécessaire réinvention des pratiques de conception qu'il s'agit d'observer et de comprendre. Le design est au coeur de la question, puisqu'il est sa matière même. Car si " design " signifie concevoir, il doit permettre penser le changement de paradigme que nous vivons et notre manière de concevoir et de dessiner, formuler, imaginer, donner forme au monde lui-même. Lire la suite Fermer

Récit mêlant fiction et histoire autour de la création d'un chef d'oeuvre L'auteur raconte l'histoire du tableau. Le narrateur est le peintre lui-même ou le modèle ou un(e) ami(e). Il peut être également l'auteur lui-même qui mène sa propre enquête sur les mystères et les secrets du tableau. Ici, il ne s'agit pas de raconter Monet en Normandie, à Giverny ou Étretat, mais abordant une nouvelle terre d'inspiration.
De septembre à novembre 1886, Claude Monet est à Belle-Île-en-Mer, l'île la plus vaste de Bretagne. Le peintre, jusqu'ici habitué à la mer d'Étretat, affronte un nouveau territoire: l'océan Atlantique. Belle-Île, c'est la "mer terrible", avec des tempêtes titanesques, mais aussi un soleil qui s'attarde plus longtemps que sur le continent et donne à la nature mille et une couleurs éblouissantes.
Dans cette solitude insulaire, Monet fera de belles rencontres: comme cet ancien pêcheur de homards, Poly, qui sera son porteur et dont Monet fera le portrait.
Un séjour qui sera un ancrage plus profond de son expression au monde. Lire la suite Fermer

John Dewey (1859-1952) est un des piliers du pragmatisme. Au centre de cette tradition, il y a l'enquête, c'est-à-dire la conviction qu'aucune question n'est a priori étrangère à la discussion et à la justification rationnelle.
Dewey a porté cette notion d'enquête le plus loin : à ses yeux, il n'y a pas de différence essentielle entre les questions que posent les choix éthiques, moraux ou esthétiques et celles qui ont une signification et une portée plus directement cognitives. Aussi aborde-t-il les questions morales et esthétiques dans un esprit d'expérimentation - ce qui tranche considérablement avec la manière dont la philosophie les aborde d'ordinaire, privilégiant soit la subjectivité et la vie morale, soit les conditions sociales et institutionnelles.
Dans L'art comme expérience, la préoccupation de Dewey est l'éducation de l'homme ordinaire. Il développe une vision de l'art en société démocratique, qui libère quiconque des mythes intimidants qui font obstacles à l'expérience artistique. Lire la suite Fermer

Cette oeuvre de Nathalie Sarraute ne comporte ni personnage ni intrigue. Son héros est un roman, Les Fruits d'Or, et elle a pour sujet les réactions que ce roman et l'accueil qu'il reçoit provoquent chez ceux qui l'aiment ou le rejettent.
Il ne s'agit pas de peindre la réalité visible et connue. Les péripéties balzaciennes qui entourent le lancement d'un livre ne sont pas le domaine de Nathalie Sarraute. Il n'est ici question ni d'éditeurs, ni de publicité, ni des jeux des prix littéraires.

L'auteur des Fruits d'Or est également absent. Seules sont montrées ces actions dramatiques invisibles et cependant très précises, qui constituent cette substance romanesque dont, depuis ses Tropismes parus en 1939, Nathalie Sarraute n'a jamais cessé d'étendre le champ et qui a déterminé toutes ses recherches techniques.

En recréant ces mouvements dans le domaine du contact direct ou indirect avec l'oeuvre d'art, en les amplifiant parfois jusqu'à la satire, c'est à certains aspects essentiels du phénomène esthétique que touche ce roman.

Ne faut-il pas dire aussi ce poème, tant dans cette forme romanesque nouvelle se confondent les limites qui séparent traditionnellement la poésie du roman. Lire la suite Fermer

Dans cet ouvrage, Jean Clair a réuni textes et souvenirs sur les nombreux artistes qui furent ses amis et qu'il a soutenus tout au long de sa carrière d'historien de l'art, de directeur de musée, d'écrivain, d'essayiste, de polémiste. Sont évoqués aussi d'autres amis, liés à l'art d'une façon ou d'une autre.
Ce choix permet de donner un panorama de l'art des cinquante dernières années, en particulier les nombreux artistes figuratifs que l'auteur a ardemment défendus et avec lesquels il a toujours dialogué. Parmi eux, Avigdor Arikha, Francis Bacon, Balthus, Henri Cartier-Bresson, Lucian Freud, David Hockney, Zoran Music ou encore Sam Szafran.
C'est un livre de souvenirs qui insiste sur la complicité qui a réuni toutes ces figures essentielles de l'art et de la culture autour de Jean Clair. Il y en a vingt-six, qui se suivent par ordre alphabétique, de Pierre Alechinsky à Xavier Valls. Dans ce recueil à l'érudition généreuse, chaque texte semble écrit dans l'instant et fait revivre une amitié rare. Lire la suite Fermer

Récit mêlant fiction et histoire autour de la création d'un chef d'oeuvre
1935. Hôpital américain. Suzanne Valadon, artiste vieillissante, est hospitalisée après une sévère crise d'angoisse. Elle doit prendre une décision importante: empêcher ou non le mariage de son fils, le célèbre Maurice Utrillo, avec la veuve Lucie Valore. Dans cet hôpital, alors que tout l'abandonne, la culpabilité maternelle la rattrape, implacable.
Suzanne Valadon raconte Maurice Utrillo, à travers la relation tumultueuse qu'elle a eue avec lui. Devenue mère à 18 ans, alors qu'elle se forme auprès des plus grands peintres de l'époque et qu'elle est promise à une brillante carrière, elle doit revoir ses ambitions. C'est son fils, alcoolique invétéré depuis l'âge de 13 ans, qui connaîtra la célébrité à sa place.
La voix que nous entendons est celle d'une femme résolument moderne, qui s'affranchit des conventions de l'époque pour s'adonner à sa passion artistique et aux plaisirs de la vie. En nous confiant les secrets intimes et dramatiques qui la lient à Maurice Utrillo, Suzanne Valadon nous fait voyager dans son univers artistique et celui de son fils, alors qu'un vent de liberté souffle sur les artistes de la butte Montmartre.
Ce récit est inspiré de faits réels. Lire la suite Fermer

Elle collectionnait les amants et les bijoux. On l'appelait « la Divine ». Wilde était fou d'elle, Victor Hugo et Gustave Doré aussi. Freud et Carson McCullers l'admiraient. Cocteau inventa pour elle l'expression « monstre sacré ». Actrice, peintre, sculptrice, Sarah Bernhardt (1844-1923) fut l'une des plus grandes artistes du XIXe et du début du XXe siècle. En s'appuyant sur des archives et des témoignages inédits, Claudette Joannis, spécialiste reconnue de Sarah Bernhardt, lui consacre un portrait intime et raconte la vie exigeante, le courage, les folies et les scandales de cette première star internationale.

"Avant d'y arriver, je savais que ma présence au bord du Jourdain, sur les bases palestiniennes, ne serait jamais clairement dite : j'avais accueilli cette révolte de la même façon qu'un oreille musicienne reconnaît la note juste. Souvent hors de la tente, je dormais sous les arbres, et je regardais la Voie lactée très proche derrière les branches. En se déplaçant la nuit, sur l'herbe et sur les feuilles, les sentinelles en armes ne faisaient aucun bruit. Leurs silhouettes voulaient se confondre avec les troncs d'arbres. Elles écoutaient. Ils, elles, les sentinelles.
[...] Dans une tragédie de Shakespeare des archers tirent des flèches contre le ciel et je n'aurais pas été surpris si des feddayin d'aplomb sur leurs jambes écartées, mais agacés par tant de beauté en forme d'arc s'arrachant à la terre d'Israël, eussent visé et tiré des balles contre la Voie lactée, la Chine et les pays socialistes leur fournissant assez de munitions pour faire dégringoler la moitié du firmament. Tirer des balles contre les étoiles cependant qu'elles sortaient de leur propre berceau, la Palestine ?" Lire la suite Fermer

Récit mêlant fiction et enquête historique.
En 1533, l'Europe connaît un séisme politique et religieux. Henri VIII, le roi d'Angleterre, décide de divorcer d'avec Catherine d'Aragon et d'épouser Anne Boleyn. Il se heurte à un refus du pape Clément VII. François 1er saisit l'opportunité d'un rapprochement avec l'Angleterre dans le conflit qui l'oppose avec l'empereur Charles Quint. Il dépêche auprès d'Henri VIII un ambassadeur, Jean de Dinteville, chargé de lui porter un message dans lequel il promet d'intercéder auprès du pape en échange du soutien du souverain anglais. Cette partie d'échec entraîne la création par Henri VIII de l'Eglise anglicane.
Le peintre Holbein le jeune jouit alors à la cour d'Angleterre du statut de peintre officiel. Jean de Dinteville fait sa connaissance. De cette rencontre va naître le célèbre tableau Les Ambassadeurs.
Dans ce chef d'oeuvre, Holbein convoque les sciences et les arts de l'époque, et parsème le tableau d'indices qui évoquent la situation politique du moment. Il y ajoute une forme flottante et énigmatique : une anamorphose. Que voulait-il signifier en peignant ce message masqué ? Lire la suite Fermer

Je m'intéresse aux expériences des femmes en quête de sens et de profondeur depuis plusieurs années. Dans ce livre, je donne la parole à des artistes pour savoir comment elles vivent leur spiritualité dans leur intimité et leur art : Carolyn Carlson, danseuse et chorégraphe, Irina Brook, metteuse en scène de théâtre et d'opéra, Camille, chanteuse et compositrice. Trois femmes inspirées, de générations différentes, qui cheminent intérieurement. Trois artistes accomplies du spectacle vivant
qui cherchent à être. De leurs témoignages, il ressort une spiritualité incarnée, aimante et engagée. Un art sacré, au
service du Tout Autre et de la beauté, pouvant éclairer notre vie.Au fil des pages habitées par leur présence, Carolyn Carlson, Irina Brook et Camille nous font voyager dans leur existence et leur oeuvre, qui élève l'âme. Grâce à leur talent, elles hissent leur art au rang de voie d'éveil. Les lecteurs y sont invités à une rencontre avec elles autant qu'avec eux-mêmes. Et à poser un autre regard sur le monde, sensible, poétique et créateur.Audrey FellaHistorienne de formation, Audrey Fella est essayiste. Elle est l'auteure d'une dizaine de livres sur la spiritualité féminine, dont Les Femmes mystiques. Histoire et dictionnaire (Robert Laffont, coll. « Bouquins », 2013), Femmes chamanes. Rencontres initiatiques (Mama éditions, 2020), et Christiane Singer, une vie sur le fil de la merveille (Albin Michel, 2022). Lire la suite Fermer

Dans un article paru dans Le Débat, Nathalie Heinich proposait de considérer l'art contemporain comme un genre de l'art, différent de l'art moderne comme de l'art classique. Il s'agissait d'en bien marquer la spécificité tout en accueillant la pluralité des définitions de l'art susceptibles de coexister.
Plus de vingt ans après, la "querelle de l'art contemporain" n'est pas éteinte, stimulée par l'explosion des prix, la spectacularisation des propositions et le soutien d'institutions renommées à des installations controversées.
C'est que, plus qu'un "genre" artistique, l'art contemporain fonctionne comme un nouveau paradigme, autrement dit "une structuration générale des conceptions admises à un moment du temps", un modèle inconscient qui formate le sens de la normalité.
En passant de l'art moderne à l'art contemporain, on change toutes les règles : la façon de faire de l'art, de le voir, de le penser, mais aussi la façon de le présenter et in fine de le vendre. Lire la suite Fermer

Récit mêlant fiction et histoire, l'auteure raconte la création d'un chef d'oeuvre. L'histoire du tableau est contée par le peintre, ou le modèle ou un(e) ami(e). Le narrateur peut être également l'auteur qui mène sa propre enquête sur les mystères et les secrets du tableau. Ici, c'est un personnage du tableau qui prend la parole.
Je suis le Señor Gustavo, alias Don Gustavo, une créature de papier. Ma terre natale, mon univers quotidien, c'est le tableau. Je déambule quotidiennement dans les villes et parmi les foules que mon créateur, le peintre argentin Antonio Seguí, a bien voulu inventer pour moi.
Double de lui- même ou pure fiction, l'artiste confesse l'importance de l'enfance et des hommes de sa famille dans la création de ce personnage.
C'est en alternant ma voix avec la sienne que je vous offrirai le meilleur de nos histoires entremêlées. Lire la suite Fermer

Le terme de "monument" est ici à comprendre dans son sens élargi, soit toute oeuvre humaine qui nous vient du passé, édifice, peinture, sculpture ou parchemin. L'auteur distingue notamment sa valeur historique proprement dite de sa valeur artistique. Surtout, il est le premier à différencier sa valeur historique, voire documentaire, et sa durée, qu'il associe à notre faculté de remémoration, c'est-à-dire l'écho qu'il fait résonner en nous, au présent, par sa patine, les traces du vieillissement ou encore l'étrangeté d'un mot ou d'une tournure de phrase. Il s'agit, en un mot, de la valeur accordée au passage du temps. Ainsi maints objets deviennent des "monuments" en raison de notre goût actuel, sans qu'ils aient été initialement imaginés, à l'époque de leur conception, comme tels.

Historien de l'art autrichien, Aloïs Riegl (1858-1905) a dirigé le département des textiles du Musée des arts industrielsSon oeuvre fondamentale, Questions de style, est centrée sur la question de l'ornement. Il a contribué à ouvrir le champ de l'histoire de l'art à des périodes, des supports ou des genres alors jugés "mineurs". Il pose le concept de Kunstvollen, de "vouloir d'art" et avance l'idée que l'oeuvre d'art est comprise comme une forme de pensée et l'expression d'une conception du monde. Lire la suite Fermer

Chaque peintre, chaque sculpteur ou plasticien, a sa modernité. Francis Bacon, Caravage, Courbet, Giotto, Goya, Frida Kahlo, Wifredo Lam, Matisse, Michel-Ange, Edvard Munch, Pollock, Titien, Véronèse... ont tous été acteurs des mouvements de conscience de leur époque. Aujourd'hui encore, ils ne cessent de nous interroger. D'Artemisia à Zurbarán, Hubert Haddad retrace et imagine des constellations qui échappent avec une inventive jubilation à toutes les classifications. À travers la quête des mutations et des métamorphoses dans l'espace vivant des formes et des couleurs, Hubert Haddad nous propose un regard créatif et fécond sur la vie et l'oeuvre de plus de 120 maîtres incontournables ou méconnus. Bien au-delà d'une classique histoire de l'art, L'art et son miroir est un inventaire de cette prodigieuse diversité. Lire la suite Fermer